Orchestra Sinfonica di Milano – 25-26.17 – Rakitina.

È tutta ambientata in Albione la settimanale proposta dell’Orchestra Sinfonica di Milano, guidata dalla 37enne Anna Rakitina, una persona che concentra in sé tutte le possibili contraddizioni che caratterizzano l’attuale, increscioso stato dei rapporti fra Russia e Ukraina. È nata da padre ukraino e madre russa e musicalmente cresciuta a Mosca, e nel 2022 possiamo ben immaginare in quale dilaniante situazione si sia venuta a trovare, avendo però coraggiosamente preso posizione contro l’invasione. Ma evidentemente la musica deve essere per lei un efficace antidoto a queste sventure, a giudicare almeno dal suo atteggiamento positivo, da ragazzina ottimista, e dal sorriso che emana continuamente anche dai suoi occhi.

Quanto al suo approccio direttoriale, è orientato ad essenzialità e rigore; il suo gesto è secco, preciso, quasi scolastico, ed evidentemente l’orchestra lo deve apprezzare assai, a giudicare dal tributo ritmato che le ha riservato alla fine, aggiungendosi alle ovazioni del pubblico.

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Andando a ritroso nel tempo, il primo autore che incontriamo è William Walton, che fino al 1979 continuò ad operare interventi su un suo lavoro iniziato nientemeno che nel lontano 1922, intitolato Façade, uno spettacolo di Intrattenimento (sic) costituito dall’accompagnamento musicale alla recitazione di un ibrido ciclo di poesie in versi (e… versacci) di Edith Sitwell. Walton derivò (1926 e 1938) due Suite puramente strumentali da questo spettacolo, la prima delle quali è stata oggetto dell’apertura del concerto.

Qui una complicata tabella che affianca i titoli dei testi della Sitwell con le diverse versioni dell’opera di Walton, Suite incluse. Abbiamo quindi ieri ascoltato cinque numeri dell’opera, e precisamente:

1. Polka

2. Valse

3. Swiss Jodelling Song 

4. Tango-Pasodoblé. Lento 

5. Tarantella Sevillana

Musica davvero da intrattenimento, assai godibile (proprio perchè ascoltata senza i testi?) che per dieci minuti ha messo il pubblico a suo agio. In vista del successivo lavoro, di più difficile… digestione.

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Due baldi alfieri de laVerdi – Dellingshausen e Amatulli - sono protagonisti del quasi sconosciuto Concerto per violino, corno e orchestra scritto nel 1926 da Ethel Smyth, una compositrice coetanea di Puccini…

Un lavoro che cerca di coniugare la fedeltà alle strutture classiche (Brahms…) con la modernità del ‘900, ma anche con un approccio che definirei femminista (e non a caso, se si ricorda la convinta militanza della Smyth nel movimento delle suffragette!) In effetti, ascoltando questo Concerto si resta quasi a disagio, un po’ come di fronte ad un arbitro di calcio di Serie A di sesso femminile, e ci si domanda (maschilisticamente…): ma ha l’esperienza e le capacità adeguate al ruolo? E viene il dubbio che la scarsissima attenzione riservata a questo lavoro e in generale alla produzione della Smyth sia stata e sia condizionata dal suo essere femmina.

Devo dire che i due solisti di casa, i colleghi che li accompagnavano e la Direttrice hanno dato il meglio di sé per valorizzare questo lavoro e il pubblico ha tributato a tutti applausi in misura assai superiore a quella che in genere si definisce pura… cortesia. Così i due ci hanno presentato una nuova primizia, tutta fatta in casa: un brano virtuosistico composto proprio per loro da Nicola Campogrande, un bell’esempio di collaborazione fra l’Orchestra e il Compositore in residenza!     

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Ha chiuso la serata Edward Elgar con la celebre Enigma Variations op. 36, del 1899. Sulle ipotesi, supposizioni, interpretazioni dell’enigmatico titolo si sono scritti fiumi d’inchiostro; io, più modestamente, in passato ho cercato di riassumere la questione nei suoi termini essenziali (mi scuso per un paio di link a youtube che sono andati a meretrici… cose che capitano nella giungla webbica.)

La simpatica Anna ha trascinato tutti in un’esecuzione rimarchevole, mettendo in risalto tutte le sfaccettature dei diversi personaggi musicalmente e magistralmente evocati dall’enigmatico compositore albionico. Successo colossale.

Alla Scala esaurita la doppia razione di Ring.

Ieri sera è calato l’ultimo sipario sulle 8 recite del Ring scaligero di McVicar/Young-Soddy. Giustificabile il tripudio che il pubblico ha tributato con regolarità (ma con diverse punte di calore) a tutte le rappresentazioni e in particolare ai due conclusivi Götterdämmerung.

In generale va apprezzato lo sforzo che il Teatro ha fatto per allestire questa proposta artistica, che rimane un unicum nel panorama del teatro musicale. A maggior ragione considerando alcuni scherzi del destino che ne hanno condizionato la vita: a partire dal caso-Thielemann con conseguente scelta bifronte (pro-e-contro) delle due Direzioni musicali, per finire con i (fisiologici?) contrattempi legati ad improvvise indisposizioni di interpreti di rilievo.

Della regia di McVicar avevo già dato un giudizio benevolo, riconoscendole (in mancanza di altri…) almeno il merito di non aver stravolto l’essenza di questo monumento dell’Arte, tenendo un approccio furbescamente in equilibrio fra opposti eccessi: la puerile e rinunciataria fedeltà alla lettera delle indicazioni didascaliche e le ardite (e normalmente fuorvianti e deleterie) interpretazioni troppo ideologicamente caratterizzate.

Il livello tecnico complessivo delle prestazioni canore, a mio modestissimo avviso, non è andato al di là di una ampia sufficienza: diciamo il famoso (o famigerato) settepiù… Che ovviamente è una media del pollo fra punte di eccellenza (Volle, finchè ha… resistito, i sempre impeccabili Nylund-Vogt e la sorprendente Vida Miknevičiūtė) e l’onesta e navigata professionalità degli altri interpreti (qui citerò in positivo il Wotan dell’ultimo arrivato Derek Welton).

Stesso discorso per la Direzione musicale, la cui matrice di fondo era la stessa, data la precedente consuetudine del duo Young-Soddy a lavorare insieme sul soggetto, il che non ha ovviamente impedito l’emergere, allo stato pratico, di differenze peraltro non abissali. E l’accoglienza del pubblico – e degli stessi orchestrali - in effetti non ha poi fatto molta differenza fra i due, entrambi osannati in egual misura.

Quanto all’Orchestra, è stata spesso censurabile nella sezione ottoni (corni in particolare, che in questo Wagner sono fondamentali) caratterizzata da svarioni dei singoli ma soprattutto (e qui c’è per forza lo zampino del podio) da un precario amalgama (il Preludio del Rheingold ne ha fatto regolarmente le spese…) e da una costante invadenza sulle altre sezioni (non parliamo delle povere arpe, che avrebbero dovuto essere 12 per far fronte al fracasso che le inondava arrivando dai dirimpettai in buca…) e non di rado anche sulle stesse voci. A compensare questi aspetti critici le eccellenti prestazioni di archi, legni e percussioni. Meritato quindi l’apprezzamento complessivo, culminato nell’uscita finale di tutti sul palco (come era accaduto con Soddy il 1° febbraio).

A proposito di legni, nel secondo intervallo della Walküre dell’11, il Soprintendente Ortombina è comparso al proscenio non per annunciare qualche rogna improvvisa ma per chiedere al pubblico, in lingua inglese, una stending ovescion per uno storico musicista che quella sera concludeva, dopo 43 anni, la sua luminosa carriera in Orchestra: il mitico clarinettista Fabrizio Meloni!

Detto questo, non mi pento certo dell’investimento fatto: il Ring è un tale dono-di-dio/dramma-e-delizia (notare la Stabreim!) che continua a stupire e ad emozionare ad ogni nuovo incontro. Quindi… W Wagner e W la Scala! 

Tjeknavorian da camera al Gerolamo.

Essendosi le ultime due giornate del secondo ciclo del Ring scaligero sovrapposte alle due esecuzioni del concerto di questa settimana dell’Orchestra Sinfonica di Milano, sono stato costretto ad una scelta dolorosa, fra Wagner e Shostakovich-Tjeknavorian. Ho optato per il primo, data la sua… rarità, sperando di poter almeno ascoltare la registrazione del secondo su RaiPlaySound. Ma il caso ha voluto (ubi major, minor cessat…) che Radio3 abbia diffuso e registrato SantaCecilia e non l’Auditorium. Pazienza, è andata così.

Per fortuna (e mia personale consolazione) questa mattina, come pre-riscaldamento per la replica, nel pomeriggio in Auditorium, del citato concerto, il Tjek ha portato nell’intimità del Teatro Gerolamo alcuni archi e fiati della sua Orchestra per offrirci, al loro fianco, un corposo concerto cameristico, strutturato su ben cinque brani: tre di Mozart alternati a Schubert e Stamitz.

In apertura è stato eseguito il Quartetto per oboe, violino, viola e violoncello in FA maggiore K 370 (1781) di Mozart. L’iniziale Allegro (4/4) è in forma-sonata di fatto monotematica: tema presentato in FA e poi, dopo un ponte modulante, nella dominante DO, il tutto da ripetersi. Lo sviluppo presenta un motivo nella relativa RE minore, poi si passa alla riesposizione del tema in FA maggiore, fino alla chiusa (da-capo opzionale). Segue un Adagio (3/4 in RE minore) dove viene esposto un tema dolente, che vira fugacemente in SIb maggiore, per poi tornare ad imporsi fino alla chiusura. Infine il Rondo (Allegro, ma non troppo, 6/8) presenta il tema di ritornello in FA maggiore, poi una strofa nella dominante DO, quindi una seconda che dal SIb vira al RE minore, prima della ripresa finale del tema variato in FA. All’oboe una delle due prime parti dell’Orchestra: Luca Stocco, impegnato in un compito invero massacrante, ma superato col massimo dei voti. Agli archi il Tjek, Altin Thanasi e Gabriele D’Agostino.

Si è proseguito con Franz Schubert e il suo (incompiuto, limitato al primo movimento) Trio per archi in SIb maggiore D 471 (1816). Struttura di forma-sonata, con l’esposizione (Allegro, 3/4, da ripetersi) dei due temi (in SIb e dominante FA). Lo sviluppo è in realtà una transizione (in SOL minore) verso la canonica ripresa dove i due temi vengono esposti nella stessa tonalità di SIb. Qui i protagonisti sono stati il Tjek, Cono Cusmà Piccione e Gabriele D’Agostino.  

Poi, al centro del programma, ancora Mozart con il suo Quartetto per flauto, violino, viola e violoncello n. 4 in LA maggiore K 298 (1778). [Quartetto che può anche essere eseguito da soli archi, con un secondo violino che suona la parte del flauto.] L’Andantino iniziale in 4/4 presenta una struttura di grande regolarità e simmetria, con 10 gruppi di 8 battute (tutti con da-capo e ostinatamente in LA maggiore): i primi quattro dove è protagonista il flauto, poi due dove spicca il violino, due con la viola protagonista e due dove è in evidenza il violoncello; più la ripresa dei primi due del flauto. Stessa simmetria nel Menuetto e Trio (3/4) con 2 gruppi di 8 battute (da ripetere) per ciascuna delle due parti, e tutto in RE maggiore. Il finale, un breve Rondo (Allegretto grazioso, 2/4, LA maggiore) è costruito su due motivi A e B e relative transizioni modulanti: il primo riproposto nella dominante MI e il secondo nella sottodominante RE, più una coda. Qui, il flauto è quello della prima parte dell’Orchestra, l’impeccabile e funambolico Nicolò Manachino, accompagnato dal Tjek, da Cono Cusmà Piccione e Gabriele D’Agostino.  

Quindi un ascolto davvero raro: il Quartetto per clarinetto, violino, viola e violoncello n. 1 in MIb maggiore op. 19 di Carl Stamitz (1786). Il primo Allegro (4/4) è bitematico (MIb e dominante SIb) da ripetere, colmo di virtuosistici svolazzi di semicrome. Segue un leggiadro Largo, 6/8 in LAb maggiore, e quindi una (Vivace) Allemanda in MIb, 3/8, che dà modo al clarinetto di esibirsi ancora in piacevoli scorribande. Sempre in MIb ecco un passaggio in Andante moderato, 3/4, con provvisoria divagazione a SIb. Arriva poi un Allegretto, 2/4 ancora in LAb maggiore, che conduce al conclusivo Vivace in MIb maggiore, 3/8, che tuttavia si chiude quasi in sordina, come ad augurare a tutti una… buona notte. Al clarinetto ha davvero brillato Fausto Saredi, chiamato a fronteggiare una partitura assai impegnativa, con il Tjek, Altin Thanasi e Gabriele D’Agostino a dargli supporto.  

Ha chiuso la… mattinata ancora Mozart con il Quintetto per corno, violino, due viole e violoncello in MIb maggiore K 407 (1782). Concerto dal piglio leggero e quasi canzonatorio (il dedicatario era il bizzarro Ignaz Leutgeb). L’iniziale Allegro (4/4) è in forma-sonata e il corno vi presenta i due temi: il primo, piuttosto sostenuto e quasi marziale, nella tonalità di impianto e, canonicamente, il secondo, più spigliato, nella dominante SIb maggiore. Lo sviluppo, assai breve, attacca sempre in SIb e conduce alla ripresa dei due temi (il secondo variato) entrambi in MIb. Segue l’Andante (3/8, SIb maggiore) introdotto dal violino, con il corno che intona poi una dolce e notturna melopea che sfocia in FA maggiore. Una seconda sezione (come la prima da ripetersi opzionalmente) è ancora introdotta dal violino in DO minore ma vede il corno modulare tosto alla relativa MIb maggiore, prima che il violino riporti la tonalità al SIb per avviare la chiusura del movimento. Il Rondo finale (Allegro, 2/4) è aperto dal corno con il ritornello, ribadito da tutti, cui seguono strofe nella dominante SIb e poi nella relativa DO minore. Per arrivare alla finale perorazione del ritornello con virtuosistica coda. Al corno si è distinto il valente Vincenzo Ferrante Bannera, accompagnato dal Tjek, da Cono Cusmà Piccione, Altin Thanasi e Gabriele D’Agostino.  

Insomma: siamo stati investiti da un vero fiume di musica di fine ‘700 sul quale ha galleggiato il romantico Schubert di inizio ‘800. Ecco un’altra tangibile testimonianza della qualità dei singoli strumentisti dell’Orchestra che il Tjek, con il suo grande carisma e le straordinarie qualità di leader e trascinatore, riesce a valorizzare al massimo. Accoglienza, manco a dirlo, calorosissima per lui e i suoi… magnifici sette.

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Avviso ai naviganti: il concerto da camera (tutto Dvořák) previsto originariamente per il 22 febbraio scorso e rimandato per l’indisposizione di Tjeknavorian, è stato riprogrammato (restano validi i biglietti già acquistati) per domenica 7 giugno, ore 11, sempre al Gerolamo.

Orchestra Sinfonica di Milano – 25-26.15 – vanSteen-Bohren.

Ancora un concerto di impaginazione insolita (a dispetto della macro-struttura tradizionalmente tripartita) per l’Orchestra Sinfonica di Milano. Lo dirige il 70enne olandese Jac vanSteen accompagnato, per il brano solistico, dal 38enne violinista elvetico Sebastian Bohren.

I primi due brani in programma sono apparentati da un qualche legame… arboreo: il breve passo wagneriano dal Siegfried (cosiddetto Waldweben, letteralmente il muoversi della foresta, noto anche come Incantesimo della foresta) e L’albero dei sogni di Dutillieux.

Il primo era appena risuonato (giovedi sera) alla Scala nell’ambito del primo ciclo del Ring, accompagnando il fantasticare di Siegfried sulla madre e sulla femmina-umana…

Ascoltandolo fuori dal contesto se ne ricava sempre (parlo per chi conosce questa musica come componente di un corpo immensamente più grande) una sensazione di generica gradevolezza accompagnata però da in senso di rimpianto per tutto ciò che la precede e la segue (e poi mancano le voci…) ma va bene così, sperando che almeno serva ad avvicinare nuovi adepti al mondo wagneriano.

Il secondo fu composto una quarantina d’anni fa da un Henri Dutilleux rimasto incantato dalla contemplazione di grandi alberi che sviluppano le loro fronde, così come la musica è in grado di sviluppare temi e motivi per successive germinazioni. Ne uscì un Concerto per violino e orchestra (non per nulla dedicato al sommo Isaac Stern) in quattro movimenti, con tre Interludi di separazione/collegamento (analogamente a quanto fatto per il Concerto per violoncello dedicato a Rostropovich).

Qui una dotta esegesi dell’opera e della figura di Dutilleux, a cura di Carlo Boccadoro.

È un’opera nata dopo la temperie post-bellica che aveva avuto il suo centro a Darmstadt, ma sembra quasi composta ai tempi della prima (non della seconda) guerra mondiale, quando la musica occidentale si dibatteva nella crisi del tardo-romanticismo e ancora la rivoluzione della serialità non aveva preso piede.  

Primo movimento. Librement. Dopo l’inizio lento, protagonista il violino, accompagnato da pesanti risposte dell’orchestra, subentrano passaggi più agili, caratterizzati da figurazioni agitate del violino cui l’orchestra risponde sempre più aggressivamente, fino a creare un climax che poi sfocia direttamente nel primo…

Interludio: aperto da una breve e concitata figurazione del clarinetto, subito seguita da interventi di glockenspiel, vibrafono, arpa e pianoforte a creare un’atmosfera tipica di un carillon. Ancora il clarinetto guida il progressivo ingresso dei fiati e poi dell’intera orchestra che si anima sempre di più, fino all’entrata del violino che, in tempo Largo attacca con figurazioni dapprima in corda doppia e poi si libra in rapidi svolazzi di semicrome e biscrome. Il solista mantiene ancora il centro dell’attenzione con puntillistici passaggi in pizzicato e trillo, fino alla fine dell’Interludio, il cui tempo, ora fattosi Vivo, introduce il…

Secondo movimento. Vif. È caratterizzato da una continua verve che accompagna il filo del discorso tenuto dal violino solista con interventi ora moderati, ora impertinenti delle diverse sezioni dell’orchestra, in un’atmosfera sempre più incandescente. Arriva quindi un nuovo…

Interludio. È l’orchestra a farla da padrona, con continue folate di suono, protagonisti a turno i fiati e gli archi supportati da percussioni e tastiere. Il solista fa la sua comparsa allo spegnersi dei fiati prima e degli archi dopo, avviando la conclusione dell’Interludio in Presto, con stretti ondeggiamenti ed una breve cadenza chiusa da un’altra serie di trilli. È ancora il clarinetto a preparare il passaggio al…  

Terzo movimento. Lent. È incardinato sul delicato dialogo fra il violino solista e l’oboe d’amore, supportato con discrezione dall’orchestra, che si fa più densa nel suono solo verso la fine, in vista del nuovo…

Interludio. Lo introduce ancora il clarinetto, subito seguito dall’oboe. A questo punto segue una fase in cui gli strumentisti eseguono un passaggio di vera e propria accordatura, proprio come quando si preparano ad iniziare il concerto. Ciò serve ad introdurre il…

Quarto movimento. Large et animé. È un finale in cui il violino solista la fa da padrone, spalleggiato a dovere da tutta l’orchestra, che lo accompagna verso un’oasi di respiro e poi fino ad un’autentica apoteosi.

Ecco… è una musica certamente non facile da capire e di non immediata presa sull’orecchio, ma devo dire che Bohren e vanSteen ce ne hanno fatto apprezzare l’inventiva e l’originalità, raccogliendo meritati applausi dal non oceanico pubblico che ieri abitava l’Auditorium.

Come ringraziamento Bohren chiama ad affiancarlo la spalla Dellingshausen e con lui ci delizia con il 24° dei 34 duetti per violini di Luciano Berio, intitolato ad Aldo (Bennici) che cita la melodia popolare siciliana E si fussi pisci. Poi Sebastian invita tutti a tornare domenica! 

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Ha chiuso la serata Igor Stravinski con la versione 1947 della Suite da Petruška. [Qui poche righe introduttive su questo brano, che laVerdi ha eseguito spesso e volentieri.]

VanSteen – Direttore navigato e di solida preparazione - l’ha diretta con grande autorevolezza, gesto ampio ma mai eccessivo, e l’accoglienza è stata davvero calorosa, per lui e soprattutto per i ragazzi che si sono davvero superati in questa impervia partitura.

Chi fosse interessato alla registrazione e al commento dell’inossidabile Gaia Varon, collegata con Bossini, può seguirla su RayplaySound.